ARTE DIGITAL

Arte digital es reflexionar sobre el arte y sus complicaciones: definir sus límites, sus alcances y su esencia. Hoy el arte digital, implica contemplar una amplia gama de piezas objetuales y virtuales que están redefiniendo la forma en la que vemos y pensamos el mundo, aun cuando no sean aceptados como arte.

Hablar de arte digital implica hablar de una gran variedad de productos. Por un lado están todos los realizados con fotocopiadoras e impresoras digitales, para realizar una pieza artística no se necesita más que talento, creatividad y persistencia, cosas que no se compran, pero como se valoran.

Durante años hemos visto como la animación ha ido creciendo, hemos sido testigos de los grandes cambios que se han manifestado, pero también hemos observado como  a pesar de esos avances hay muchas personas que prefieren seguir realizando sus proyectos con técnicas antiguas, y esto no las hace menos profesionales, menos importantes o menos buenas, siguen siendo animación, y muchas de ellas arte. Basta tan solo con mirar en internet para encontrar en un click muchas piezas impresionantes, complejas y sobre todo que han sido merecedoras de premios envidiables.

Observemos el trabajo de Animatrix, realizado por los hermanos Wachowski los cuales utilizan múltiples medios para contar la historia de la épica trilogía de Matrix, llevando a los aficionados más allá de la pantalla e introduciéndolos en el mundo hiper-surrealista de Matrix. Lo anterior no se habría logrado sin sofwares capaces de dar vida a personajes con historias ya establecidas, es interesante ver como se complementan los recursos de la tecnología como los antecedentes de animaciones asiáticas, pues se ve una clara influencia sobre el trabajo de estos hermanos.

Autor: Omar Hernández Pérez

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ANIMATRIX

Animatrix es una colección de varios cortos animados originales -concebidos por los hermanos Warchowski y realizados por directores de animé mundialmente renombrados- que detallan la historia tras el universo Matrix y la guerra originaria entre el hombre y las máquinas que llevó a la creación de la Matrix.
Esta serie espectacularmente visual hurga profundamente en el mundo mentalmente intrincado de The Matriz y los personajes que lo habitan, dando como resultado una fusión sin precedentes de animación CG y el estilo anime en el que los artistas japoneses de la animación son los pioneros.
Toda la serie tuvo diferentes diseñadores y animadores con su respectivo estilo de cada uno de ellos para así lograr un gran trabajo en esta película las imágenes de cada capítulo tiene lo suyo hay unas que están más estilizadas y otras que están simples pero llaman la atención gracias al repertorio de imágenes que tienen cada uno.
La tecnología es un punto muy importante ya que sin ella no se podían hacer esta clase de animaciones, todas tienen sus estilos gráficos, pues unas son más artísticas y otras más complejas y eso lo hacen diferentes unas a otras.
El capítulo que más me agrado fue la de “RECORD MUNDIAL”:

Dan Davis es un maratonista y velocista norteamericano que cuenta en su haber con el récord mundial en cien metros llanos (sprint) dentro del simulado mundo de la Matrix. En medio de una de sus competencias observamos un hecho por demás inusual: la natural percepción de la Matrix por parte del deportista. Gracias a su fuerza física y su poder de voluntad, consigue romper la Matrix y ver más allá para superarse a sí mismo. Lo que no sabe es las consecuencias que infringir las normas de la Matrix puede acarrearle.
En el transcurso de la carrera, mientras las imágenes se superponen a cámara lenta, lentísima, vemos momentos previos donde su entrenador le aconseja que no intente batir su propio récord, y, en tiempo real, somos testigos de cómo agentes que rodean el estadio están pendientes de su inminente "despertar".
Entonces sucede lo peor: los músculos de la pierna de Dan se resienten, y en su expresión se lee el final. Pero el velocista increíblemente sigue en pie y comienza a moverse aún más deprisa. Los agentes actúan: se apoderan por unas décimas de segundo de los otros corredores y tratan de detener a Dan.
Dan comienza a percibir en esas décimas de tiempo que el mundo qué creía conocer es una quimera de números y códigos. Es cuando despierta y se encuentra conectado a tubos y cables, en una de las cápsulas líquidas que sirven de contenedores en el mundo real. Las máquinas le dan un tratamiento de choques eléctricos para borrarle la memoria y lo devuelven inmediatamente a la simulación. Dan cae al piso. Sin embargo ha marcado un nuevo récord mundial: 8.72 segundos.
La acción se traslada luego a un centro médico donde una blonda y tonta enfermera conduce a Dan en silla de ruedas. Un atento agente sigue de cerca la lenta procesión. Pero la mente del ex-deportista se resiste: por un segundo en que vuelve a ponerse de pie, Dan Davis se rebela ante la Matrix. Fin del corto.
Esta historia, la más estilizada de los Animatrix, fue escrita por Yoshiaki Kawajiri, el responsable del corto "Program", y dirigida por su compatriota Takeshi Koike, quien cuenta con obras en su haber tales como Ninja Scroll (1993), junto al mismo Kawajiri, y Party 7 (2000). Las secuencias generadas a cámara lenta (ahora denominadas "bullet-time", tiempo de bala) son las mejor concebidas. Hay algún que otro "flashback" demasiado extenso pero en general nos encontramos ante una idea cabal y bien desarrollada. Su estilo de dibujo se asemeja bastante al trazo de Peter Chung, curiosamente, aunque con una marcada influencia del arte animado francés. Fue enteramente producido en los Estudios Madhouse de Tokio y su duración es de 9 minutos.
En algunas ediciones castellanas, quizás por un error, ha pasado a llamarse “Los archivos del mundo”

Autor: Gandhi Omar Tlatelpa Cortez

The Animatrix: La Película_Comentarios

Postal "Los dones de la naturaleza"

Esta imagen esta representada en colores oscuros, es decir, los humanos destruyen la naturaleza pero esta siempre florece para dar más vida, pero al mismo tiempo nosotros podemos protegerla y cuidarla para nuestro bienestar .

autor: gandhi omar

"La Lectura un hábito en el camino del olvido"

"La Lectura un hábito en el camino del olvido"

Christian Montes M.

Esta serie de fotografías, exploramos las asociaciones creativas entre objetos ignorados tradicionalmente en el mundo de hoy que relatan sucesos que estamos viviendo hoy en día, el concepto que se comunica es un problema muy grave que esta pasando, la gente esta olvidando por completo la lectura. Hay otras cosas que "parecen" ser importantes y estamos olvidando lo que realmente vale la pena. No son simplemente pastas gruesas con páginas y página, sino que es lo que llamamos aprendizaje.

La lectura y la escritura, es la primera tecnologia mental. La escritura es un invento para aumentar la capacidad intelectual. La ejecucion de la lectura exige un control consciente sobre lo que se lee, es decir, que leer resulta una comprension automatica cada vez que se practica.

Fomentemos a nosotros mismos y a nuestros hijos el habito de la lectura, ya que este es el medio para aprender y desarrollar nuestros pensamientos.

"Todos los días hay que aprender algo, sino solo caminamos por la vida sin ningún sentido."

por CMM

"E C L I P S A D O"

Incluso cuando la basura se vuelve parte de la naturaleza, junto a ella se crean mensajes, paisajes y autoretratos del planeta mismo.

Autor: Hernández Pérez Omar Pablo

"Composición tennis-mesa"

inspiración de Gabriel Orozco

Nuestras negaciones, nuestros caprichos, nuestros deshechos y las cosas que pisamos son incluso el consuelo y la comida para otras personas.

erick contreras

RON MUECK

Me encantan sus obras ya que aunque maneja proporciones enormes o muy pequeñas llega a un nivel de realismo muy bueno ya que si te crees que sea real 

Esther Ferrer

Considerada como una de las mejores artistas españolas de su generación. En 1966, Esther se unió al grupo musical performance Zaj, conocido por sus actuaciones conceptuales y radicales. La producción de Esther Ferrer incluye objetos, fotografías y sistemas basados en series de números primos. También es conocida por su trabajo como artista performance. Sylvie Ferré ha dicho de ella que: "El trabajo de Esther Ferrer se caracteriza por un minimalismo muy particular que integra rigor, humor, diversión y absurdo".

¿COMÓ CONSTRUYE SUS ESCULTURAS? Ron Mueck

¿COMÓ CONSTRUYE SUS ESCULTURAS?

- Ron Mueck -

Ron Mueck nos habla de su desafío al utilizar en esta época las técnicas tradiciones de diseño y construcción, en contraposición al diseño por ordenador. Lo cual resulta curioso, porque ha sido precisamente internet –la tecnología- quien primero se ha ocupado de mostrar la obra del escultor.

¿Cómo modela sus esculturas Ron Mueck?.

Sarah Tanguy: ¿Cómo y cuándo surgió la idea de jugar con las escalas en tus figuras?

Ron Mueck: Nunca hice figuras de tamaño natural porque nunca me ha parecido interesante. Todos los días vemos gente a tamaño natural.

ST: ¿Alteras la escala para provocar un impacto emocional y psicológico?

RM: Más bien, hago las cosas para que no parezcan tan normales.

ST: Con Big Man, ¿sabías de antemano que ibas a trabajar en una escala gigantesca?

RM: Él no comenzó siendo grande, sino surgió de otra pieza que yo había esculpido, una pequeña figura de un hombre envuelto en mantas, para la que no utilicé ninguna referencia, ni tampoco ningún modelo, sino que salió totalmente de mi imaginación.

En esa época yo trabajaba como artista residente en la National Gallery y ellos tenían una clase de dibujo. Yo trabajé allí y di mis primeras clases, y lo disfruté mucho.
Cuando volví a mi estudio y vi la pequeña figura del hombre envuelto en mantas, pensé, “¿Cómo sería si hiciera lo mismo, pero trabajando con la vida, dándole un aspecto más real?”.
Yo nunca trabajo con modelos vivos. Yo utilizo fotografías o referencias que veo en los libros, tomo mis propias fotografías o miro en mi interior.

Sin embargo, yo intenté encontrar un modelo real, parecido a aquel pequeño individuo envuelto en mantas. Localicé a uno que era físicamente similar, y trabajé en mi estudio con él durante tres horas, hasta que me di cuenta que él no me iba a ayudar a salir adelante con mi proyecto.

Sus miembros no eran lo bastante flexibles. Su vientre tenía su propia forma. Aquel hombre no podía adoptar la postura de mi pequeña escultura. Por otro lado, yo tampoco me sentía bien teniendo un modelo en mi estudio. Me di cuenta de que me intimidaba tener allí a alguien con el que tenía que relacionarme.

Tenía allí a un hombre desnudo y completamente afeitado. Él no tenía ni medio pelo en el cuerpo. Todo eso me impedía estar a gusto. Pensé, “bien, ¿qué hago yo aquí con un hombre desnudo?”.

Así que le pedí que se sentara en una esquina mientras yo pensaba todo esto. Él entonces me sugirió algunas poses y tomó alguna de esas posturas ridículas que suelen realizar los modelos. Eran falsas y artificiales, y me di cuenta de que todo aquello no me servía para nada.

Yo trataba de reunir todo mi valor para decirle que se marchara. Lo miré, allí sentado en la esquina, tratando de decidirme. Él no estaba tan enfadado como lo parece estar Big Man, pero tenía esa misma posición. Y pensé en ese momento, “¡Qué buena idea!”, y así nació la pose de Big Man.

Primero hice un boceto en arcilla de él en esa posición, aproximadamente de un pie de alto. En ese momento pensaba que ese podría ser el tamaño final de la escultura.

Tomé algunas fotografías de lo que hacía, como hago a menudo, porque considero que si fotografío mi trabajo, puedo verlo de una manera diferente. Es como cuando te miras en un espejo, y te das cuenta de todas las imperfecciones y asimetrías, que no puedes ver de otra manera, porque las has mirado durante demasiado tiempo.

Luego, mientras miraba esas fotografías, y en una de ellas, dibujé una pequeña figura que parecía mirar el boceto de arcilla. Así, que a ojo de buen cubero, me di cuenta que la relación a escala entre el boceto de arcilla y la figura dibujada podía ser como de ocho pies. Con el dibujito al lado, a él se le veía muy grande. Y pensé, “bien, puedo intentar hacerlo a ese tamaño”.

Una vez decidida la escala, tomé mas fotografías. Tomé una de perfil, de la que saqué, dibujándolas, las líneas del contorno y todo eso lo llevé a papel. Después dibujé todo en papel marrón a tamaño de siete u ocho pies. Y una vez lo terminé, decidí que lo haría así.

A partir de ese enorme boceto monté la armadura con alambre y lo cubrí todo con yeso.

ST: ¿Es el yeso el que le da esa tonalidad amarillenta?

RM: Yo utilizo un yeso dental más duro que ‘el yeso de París’, que tiene esa pigmentación amarilla, aunque luego lo pinto todo.

ARTE SONORO

Es interesante notar que las composiciones de arte sonoro se diferencian de lo que se entiende por música en el sentido tradicional, debido a la variedad, libertad formal y conceptual en el uso y aplicación de técnicas de edición de sonido como collage, repetición, manipulación espacial, generación electrónica, y procesamiento de señales sonoras entre otras.

Las primeras experimentaciones pertenecen al dadaísmo, al surrealismo, al movimiento de arte Fluxus, y varias otras manifestaciones y artistas contemporáneos que se inspiraron en sus principios como John Cage, Karl Stockhausen, Iannis Xenakis, León Theremin y Pierre Schaeffer.

Las formas en que el arte se vincula con lo sonoro, han sido múltiples desde comienzos del siglo XX: Art of Noise (Luigi Russolo); Radio Art (Bertold Brecht); Estetización y Yuxtaposición (John Cage); Música Concreta (Pierre Schaeffer) o Abstracción del sonido fuera de los significados connotados y la creación de objetos sonoros (que anticipa con sus técnicas de Cut and Paste los métodos de los actuales DJ); música de amoblamento (Nam June Paik, Eric Satie, Fluxus); Instalación Sonora y Música Ambiente (John Cage, Nam June Paik, Eric Satie, Brian Eno); Síntesis y Música Dodecafónica (Leon Theremin); Serialismo (Karl Stockhausen); Score Síntesis (Iannis Xenakis); Poema Electrónico (Edgar Varese); Música Electroacústica (Autechre, Granular Síntesis); Música Generativa (John Cage, Matthew Rogalsky, Anne Wellmer, Jem Finer); Temporalización y Performance (Max Neuhaus, Gordon Monahan); Media Narration (Paul de Marinis); Destemporalización (Alvin Lucier); Virtualización (Bernhard Leitner) o Arte Sonoro para Instalaciones y Performances Virtuales.

Erik Satie nos ha regalado piezas musicales que nos llevan  a descubrir nuevos sentimientos mediante su composición, la cual esta llena de armonía y con un tono suave y elegante que provoca un relajamiento profundo.

Entre sus obras más destacadas podemos situar a la serie de 4 partes de gnossienne, un conjunto de piezas que seduce y se compenetra mediante la composición y la correcta integración de de Tono, Melodia, Tiempo y espacio.

AUTOR: HERNÁNDEZ PËREZ OMAR PABLO

HIPERREALISMO

El hiperrealismo surgió a finales de la década de 1960 en Estados Unidos y ha sido frecuentemente definido como realismo fotográfico, superrealismo e hiperrealismo. Los temas principales de los pintores hiperrealistas o fotorrealistas fueron paisajes urbanos, escaparates, automóviles, motocicletas y demás objetos de consumo. Algunos de los artistas más memorables de este movimiento fueron John Salt, Robert Bechtle, Ralph Goings, Malcolm Morley, Don Eddy y Ron Mueck, este último destaca por realizar esculturas que reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos expresen cierta confusión.

Cada una de las esculturas de este artista nos cuenta una historia, nos trasmite un sentimiento diferente. Con su obra, Mueck intenta abordar la realidad, no solamente en las figuras que proyecta, sino en los sentimientos que éstas transmiten. Muchas de ellas, al tratarse de una sola figura humana, nos hablan de individualismo y de soledad. 

AUTOR: HERNÁNDEZ PÉREZ OMAR PABLO

Hiperrealismo

Ron Mueck

“Me he quedado sorprendido cuando al ver una” fotografía” alguien me desmiente casi reclamando que lo que miro no es una foto sino una pintura…”

Algo que parece tan natural , tan realista te regala una nueva percepción, ver un bebé tan perfecto pero de un tamaño sobrenatural es darse cuenta de que tan pequeño es el hombre y que tan grande es nuestra capacidad de crear cosas magnificas.

La obra de Mueck no refleja mas que simples retratos de lo hermoso, insignificante y grande que es el ser humano.

autor: Gandhi_omar_tlatelpa_Cortez

Arte Sonoro

Con un arte mas libre, con nuevas tecnologías, y con mentes sedientas de expresión el arte se dispara hacia un sin fin de posibilidades, el arte sonoro es uno de ellos, sonido que no es música, ni radio, ni ruido pero si idea, sentimiento, estética y todas esas características del arte .

Sampleo, Ambientes, Palabras, Reversas, Quejas, Música, Objetos, Esculturas, Todos produciendo sonido, el habla del sentimiento, del concepto.

Ahora con las nuevas tecnologías dentro de la multimedia, se podría decir que el arte es infinito

El trabajo de Berio me pareció sorprendente:

http://www.youtube.com/watch?v=z-BUJ3dLeb8&feature=related

autor. Gandhi_Omar_Tlatelpa_Cortez

Felipe Ehrenberg "Signos y señales" . Partitura visual

Felipe Ehrenberg

"Signos y señales"

Partitura visual.

Felipe Ehrenberg ( Oriundo de Tlacopac, Ciudad de México, 1943 ). Reconocido artista mexicano cuya trayectoria, de más de cincuenta años. Su polifacética personalidad hace difícil una clasificación clásica de su trabajo artístico tanto que desde los años setenta el mismo artista se define como neólogo; palabra que subraya este aspecto de experimentación y renovación característico en su trabajo.

La exposición, "Signos y señales" . Partitura visual de Felipe Ehrenberg" es una serie de objetos divididos en símbolo, espejo y reflejo. "Son señas que lanza el humano. Los espejos representan la velocidad de la luz", una partitura visual.

El neólogo Felipe Ehrenberg ha utilizado “la desobediencia como una forma de trabajo”, proponiendo la creación de obras in situ, individuales y colectivas, para sus exhibiciones en distintos museos y galerías de México y el extranjero. Cuestiono los paradigmas estéticos que nos dominan, que privilegian la obra de arte única y singular como consecuencia de una visión particular e individual.

Los neólogos de hoy, concluye Ehrenberg, “no proponemos una alternativa que elimine los conocimientos que nos legó el pasado. En realidad, ofrecemos otras opciones imaginativas para enriquecer el tesoro cultural que es el arte en México. Es precisamente en la confrontación entre la tradición y la innovación –¡que no hay que confundir con provocación!– donde se renuevan todas nuestras artes. La meta es cotejar ideas inéditas con ideas arraigadas, nunca reiterar esquemas caducos.”

Yoko Ono - Cut Piece

En este performance, Ono permanecía arrodillada en el escenario e invitaba a los miembros del público a aproximarse y rasgarle la ropa con unas tijeras, hasta que ésta se le cayera por sí sola. Desafiando la neutralidad de la relación entre el espectador y el objeto de arte. Ono presentaba una situación en la que el espectador participaba en el acto potencialemente agresivo de dejar al descubierto el cuerpo femenino, el cual se ha utilizado a lo largo de la historia como tema artístico "neutro" y anónimo. Realzando el modo recíproco en el que los espectadores y los temas se convierten en objetos del otro. Cut Piece demostraba cómo la mirada inconsciente tiene el potencial de dañar e incluso destruir el objeto sobre el que se posa. "Los espectadores fueron recortando las partes de mí que no les gustaban. Al final sólo quedaba yo, firme como una piedra, pero ni siquiera eso les satisfacía: querían saber qué había en esa piedra" - Yoko Ono, comentario de la artista, 1971.

Este performance la artista se convierte en objeto artístico y es el espectador el que contribuye como artista a moldear a la "artista/objeto". Existe un intercambio de papeles y de personajes, una fluctuación de personalidades en la que el objetivo es descubrir el cuerpo de la artista y convertirlo en objeto de arte, tal y como se había estado haciendo con las mujeres anónimas a lo largo de la Historia del Arte al representarlas en los cuadros como modelos.

autor: g.omar tlatelpa cortez

"YOKO ONO"

Cut (pieza de corte)

Filmado originalmente en 1965. Yoko se sienta en el escenario,  su rostro muestra una expresión de  tristeza, sufrimiento. Miembros de la audiencia se acercan con un par de tijeras y cortan su ropa, los espectadores observa con detenimiento su expresión y sienten tal espectáculo que deciden formar parte de esto. 

Tal es el espectáculo que se muestra que  el malestar es palpable, incluso en un video antiguo como este, ella cambió ligeramente  su pose, únicamente para mantener sujetar la prenda que cubría sus pechos y de esta forma evitar exponerlos, continuo con la pieza y dejó que el resto de la audiencia continuara cortando lo que quedaba de su vestuario.

AUTOR: HERNÁNDEZ PÉREZ OMAR PABLO

Sensación "FLUXUS"

Este video representa la cruda ralidad que no logramos ver normalmente, al estilo FLUXUS se a logrado captar el detalle que genera una imagen tan simple, pero tan compleja de entender.

Ilustración Aullido de Allen Ginsberg

Esta ilustración representa diferentes problemas a los que nos podemos enfrentar en la vida real, asociado a un poema de Allen Ginsberg, el cual es muy agresivo y grotesco, pero que representa un realidad que todos hemos observado pasar muy cerca, la desición que hay que tomar es la que nos puede llevar al éxito, una valiosa reflexión que queda a consideración de cada ser.

AUTOR: HERNÁNDEZ PÉREZ OMAR PABLO

Diseño Multimedia 4to. Semestre

AULLIDO

La ilustracion de Aullido de Allen Ginsberg y en la cual nos muestra los problemas que existe con los vicios, donde ya no hay salida con un ambiente desolador y problemas detras de ello, pues el poema nos habla sobre estos excesos fuertes.

autor:Gandhi Omar Tlatelpa Cortez
LDM4

Ilustración Poema "Aullido"

"Aullido"

Allen Ginsberg

(Ilustración)

En la generación Beat, se creo un poema en 1956 que cambio el rumbo de muchos ideales que sacudio a toda una generación por parte de Allen Ginsberg. En está ilustración se describe las injusticias de una sociedad acomodada como la norteamericana de la posguerra y protesta contra los horrores que sufren quienes no compiten por la ficción de una felicidad proclamada oficialmente.

Con su lírica, pretende transmitirnos su rebeldía y malestar ante la organización y los órdenes

establecidos. Con mucho contenido de carga homosexual que reflejaba la propia personalidad de Ginsberg como por el lenguaje empleado.

¿Qué es Arte?

El arte es una actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones o, alguna visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.