EL RETRATO PICTORICO

POR CHRISTHIAN MONTES M.

EL RETRATO PICTORICO

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Arte Griego

una explicacion del arte griego y sus esculturas

Examenfinal

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autor gandhi omar tlatelpa cortez

Tema elegido: "EL CUERPO HUMANO COMO SOPORTE"

Tema investigado: "MAQUILLAJE ARTISTICO"


La palabra maquillaje proviene de maquiller (maquillar) un término francés utilizado en la jerga teatral francesa durante el siglo XIX. Aunque la palabra sea moderna, el concepto es antiguo. Se trata de aplicar al rostro o cuerpo preparados artificiales para adecuarlo a la iluminación o bien para obtener una caracterización.


La palabra maquillaje dejó de ser utilizada únicamente en teatro y se generalizó, siendo utilizada en cualquier ámbito de la vida para indicar que a un rostro (o cualquier otra parte del cuerpo).


BODY PAINTING
La pintura corporal o body painting es una pintura artística aplicada a la piel y es considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados. A las puertas de la humanidad, nuestros antepasados descubren la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros colores que sirven quizá para impresionar al enemigo, en forma de pintura de guerra, o de señal reconocimiento en una tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza.

Probablemente incluso antes de que la primera piedra fuese grabada, el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenencia a su grupo y situarse con relación a su ambiente. Esta práctica ilustrada se convierte en un instrumento de transformación. Los dibujos y los colores permiten cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o sirven sencillamente de ornamento.

La pintura corporal, reaparece en Occidente a finales del siglo XX. Arte transitorio, el pintor crea un dibujo sobre su modelo. Se le consagran varios festivales, entre ellos el de Seeboden en Austria "World bodypainting festival" y el de Bruselas en Bélgica en el Festival Internacional de la película fantástica, "The International Body Painting Contest".

Este tipo de trabajos, de decorado del cuerpo, a menudo y quizas lo mas recomendable, es realizarlo con la herramienta: AEROGRAFO.






TATUAJES CORPORALES
Un tatuaje es una modificación del color de la piel, creando un dibujo, figura o texto realizados con tinta o algún otro pigmento bajo la epidermis de un humano o animal.
Un tatuaje es una herida punzante en las capas profundas de tu piel, que se llena con tinta. Se realiza penetrando la piel con una aguja e inyectando tinta en la zona, generalmente creando algún tipo de diseño. La razón por la que los tatuajes duran tanto es que son profundos: la tinta no se inyecta en la epidermis (la capa superior de la piel que continuamos produciendo y cambiando a lo largo de toda la vida). Por el contrario, se inyecta en la dermis, que es la segunda capa de piel más profunda. Las células de la dermis son muy estables; por lo tanto, el tatuaje es prácticamente permanente.

Los tatuajes solían realizarse en forma manual, es decir que el artista encargado de realizar el tatuaje pinchaba la piel con una aguja e inyectaba la tinta manualmente. Si bien este proceso aún se emplea en algunas partes del mundo, la mayoría de los talleres de tatuajes utilizan una máquina para tatuajes. Una máquina para tatuajes es un instrumento eléctrico de mano, semejante al torno de un dentista. En un extremo, tiene una aguja esterilizada, conectada a tubos que contienen tinta. Se utiliza un pedal para encender la máquina, que mueve la aguja hacia adentro y afuera mientras deposita la tinta aproximadamente 1/8 de pulgada (casi 3 milímetros) debajo de la piel.

La mayoría de los artistas que realizan tatuajes saben hasta qué profundidad llevar la aguja, pero si no se llega a la profundidad necesaria, el tatuaje parecerá borroso, mientras que si la profundidad es excesiva, puede haber sangrado y mucho dolor. Realizar un tatuaje puede llevar varias horas, dependiendo del tamaño y del diseño seleccionado.








MAQUILLAJE ARTISTICO EN FIESTAS
En Argentina se festejan los casamientos, cumpleaños de 15 (para las mujeres) y cumpleaños de 18 (para los hombres) haciendo grandes fiestas de hasta 500 o más invitados. Con el comienzo de esta década ha surgido en Argentina el uso de maquillaje artístico para decorar las caras y cuerpos de los invitados al terminar la cena y comenzar con un clásico baile. Los artístas que hacen estos trabajos utilizan normalmente maquillaje de caracterización vinculando así su trabajo artístico con eventos sociales tradicionales.





MAQUILLAJE DE CARACTERIZACION
Además de minimizar la pérdida de color, el maquillaje ayuda a crear al personaje y contribuye también a su caracterización exterior, adecuando la apariencia física a las exigencias del guión. Este tipo de maquillaje llega a transformar los rasgos del actor y puede ir desde un leve envejecimiento, rejuvenecimiento, a colocarle una peca, o cicatriz inexistente o, en el extremo opuesto, a convertir a una persona en un monstruo, un personaje de ficción, un hombre lobo, etc.

El maquillaje utilizado por los payasos es uno de los ejemplos más claros de caracterización.







Maquillaje fx
Es el tipo de maquillaje para la creación de efectos especiales de caracterización. Usado generalmente en toda obra dramatizada.






MAQUILLAJE EN CINE Y TELEVISION
En cine, televisión o incluso, en teatro, el maquillaje es imprescindible, pues la iluminación hace que haya una pérdida de color en la piel de las personas (actores). En algunos casos extremos, sobre todo, en el audiovisual, está aparente pérdida de pigmentación puede dar un aire espectral a las personas.

Dreyer en La pasión de Juana de Arco (1928) no maquilló a la protagonista (Renée Falconetti). Su intención era enfatizar el drama religioso.

Existen dos tipos de maquillaje:

El maquillaje neutro
El maquillaje caracterizador







MAQUILLAJE EN LA HISTORIA
En el antiguo Egipto las mujeres usaban de labial una pasta hecha con escarabajos color carmesí y rosa fuerte. En los ojos; para delinearlos, término que usamos hoy en día, se utilizaba una pasta hecha con cenizas de carbón bendito, de eso viene el color negro.





CONCLUCION:Podemos ver que la pintira es un arte que se puede plasmar en todos lados y el poder plasmarlo en el cuerpo es una veradera magia.el transformar el cuerpo en una obra de arte.
con esto podemos ver que no solo existe el muy conocido body paintig que como este que es muy conocido y clasico existen muchos mas y realmente nos damos cuenta que la decoracion del cuerpo a existido desde nuestros antepasados hasta nuestros tiempos.

En mi autoretrato quise proyectar lo que soy, mi forma de ver la vida,ya que todo lo veo de colores y para mi todo es felicidad y alegria la verdad no soy negativa y no existe en mi mundo el color negro por ello quis poner todos los coleros menos colores obscuros,al fondo puse el color amarillo y rosa ya que esos son definitivamente mis colores favoritos.

Un segundo de mi

A esta imagen la he llamado así porque representa solo un segundo de todo lo que soy, principalmente se puede observar todo lo relacionado con la musica, el video y un poco de baile ya que son las cosas que mas me gusta hacer.

Y bueno, siento que son las cosas que me caracterizan principalmente

Autor: Omar Pablo Hernández Pérez

AUTORRETRATO

Aqui estoy encerrado entre un cuadro, el cual me dice como soy:

Soy serio, cuando estoy diseñando me encierro tanto en lo que estoy haciendo que a veces hago cosas interesantes, las brochas y los filtros que utilice son de diferentes programas ya que a mi me gusta el diseño, estar jugando con todo lo que tengo en mis posibilidades.

Mi rostro se encuentra dentro de un cuadro que para mi es un monitor ya que mi profesion va ser la computadoraentonces la recree con efectos y colores que me gustan ya que a mi megusta un poco la libertad la tranquilidad y la pasiòn que tengo por hacer muchos diseños.

AuToR: GaNdHi OmAr TlAtElPa CoRtEz

RETRATO

RETRATO

ESTE RETRATO DA A ENTENDEER LAS DISTINTAS ETAPAS DE MI VIDA, REPRESENTO TRES FOTOS EN LA PRIMERA FOTOS ME REPRESENTO SIN PELO CON YA QUE ES EL COMIENZO DE MI EVOLUCION, EN LA SEGUNDA ME VEO CON PELO LARGO, FUE UNA ETAPA DE IMPONENCIA, FUERZA Y EN LA ULTIMA FOTO REPRESENTO EL HOY, QUE ES DONDE ESTOY PARADO EN ESTA ETAPA DE MI VIDA.

DE FONDO PLASME UNA SALA DE CINE POR QUE ES LO QUE MELLAMA Y POR LO QUE ESTOY AQUI, ADEMAS DE MUCHAS COSAS QUE GIRAN A MI ALREDEDOR.

PRINCIPALMENTE EL CONCEPTO ES MI EVOLUCION EN UN CORTO PLAZO.

"EL MUNDO, LA MUERTE Y EL INFINITO"

POR CHRISTIAN MONTES

EL NACIMIENTO DE ESTA IMAGEN ESTA BASADO PRINCIPALMENTE A LA MUERTE, LA CUAL ES LA IDEA PRINCIPAL DE ESTA OBRA DE ARTE, EN LA CUAL ES UN RECHAZO DE LA NADA Y NOS DA HA ENTENDER QUE ES LA PROLONGACION DE NUESTRAS VIDAS Y TODO LO QUE NOS RODEA.
EN LA CUAL SE REPRESENTAN LOS 3 ELEMENTOS BASICO EN CUANTO A LA OBRA, EN PRIMER PLANO EL INFINITO, AQUEL QUE EXISTE PERO NO SABEMOS QUE HAY EN EL Y ESTAMOS EXPUESTOS A LLEGAR. EN SEGUNDO PLANO ESTA EL MUNDO LUGAR EN EL QUE HABITAMOS Y EN EL CUAL ESTA NUESTRA VIDA , SE ENTIENDE POR LA TOTALIDAD DE LO EXISTENTE COMO EL UNIVERSO, LA HUMANIDAD Y PRINCIPALMENTE LA TIERRA Y EN TERCER Y ULTIMO PLANO MAS ENFOCADO TENEMOS A LA MUERTE A LA QUE LE HEMOS ASIGNADO EL SIGNIFICADO COMO EL "FIN DE LA VIDA", QUE SE REPRESENTA MEDIANTE UN SIMBOLO QUE ES UNIVERSAL VISUALMENTE PARA LA MAYORIA DE LOS SERES HUMANOS.
ESTA REPRESENTACION LLEGA A UN NIVEL DE CONCIENCIA PROPIO Y GLOBAL, EL CUAL NOS PROPONE QUE HAY UN PRINCIPIO Y POR ENDE LLEGARA A UN FINAL, DEPENDE DE CADA QUIEN COMO LO QUIERA RELACIONAR COMO EL INFINITO O SIMPLEMENTE LA MUERTE, MEDIANTE ESTO LO PODEMOS CONCLUIR COMO LA EVOLUCION HUMANA.


CHRISTHIAN MONTES MARIANO
LDM

Los simbolos que se utilizaron para este proyecto fue un arbol que representa la vida se divide en dos partes el infierno (la oscuridad), y el cielo (la luz) en donde nos representa un ciclo de la vida y muerte.

Otros elementos utilizados son las aves, en la parte del cielo coloque palomas que es lo mas simbolico para esa parte,y el infierno un sopilote representando a la muerte.

Los dos caminos que llevan hacia su destino al bien y al mal. Y el simbolo màs grande la crucifixiòn de Dios (salvador Dalì) ,ya que nos representa la vida y la muerte, el es el alfa y el omega. Entonces se representa como el creador del inicio y el fin.
Los colores son rojos, para la maldad, muerte y todo lo relacionado con ella, el color azul que da una sensacion de paz, tranquilidad y vida.
Se puede nombrar a este trabajo como la VIDA Y LA MUERTE.

AUTOR: G. Omar Tlatelpa Cortez

Representacion De La Muerte

La imagen representa a la muerte;
La cara con llanto de sangre significa el creador viendo como se destruye su mundo. La mascara blanca que lleva puesta representa su identidad ya que nadie sabe como o quien es.
La muerte sobre las manos significa que nadie tiene controlada su muerte, está inestable y por eso no la puede agarrar.
Y en el fondo se observan algunas muertes a causa de la humanidad. Ya que entre nosotros hemos hecho o provocado distintas guerras y no hacemos nada por remediarlo.

Personalmente plasme mi interpretación acerca de ¿Qué es la muerte?
En mi cartel coloque como punto focal la calavera ya que es uno de los principales iconos de la muerte, al fondo puse mucha fusión de colores que representa esa confusión, ese gran enigma para la humanidad del que hay detrás de la muerte quise representar eso extraño, con la variación y la fusión de colores que representan también un contraste de sentimientos.
Principalmente la calavera es la división del cartel, que por medio de un ojo representa la entrada a ese mundo enigmático, ya que detrás de esta aparece todo ese mundo lleno de magia y cosas confusas del cual supongo que no entenderíamos, yo lo quise interpretar con colores por que como puede haber algo lleno de paz (que representa el color blanco, como algo obscuro y solo, que representa el negro o también puede ser otro mundo lleno de colores y felicidad donde realmente se alcanza la alegría y es un mundo totalmente diferente y por ello la fusión y controversia de colores.
Entre toda esa fusión de colores sobre salen imágenes: aves, ángeles, manos; diferentes figuras y disimuladamente tiene personas con grito de llanto eso representa las almas que no llegan a ese mundo imaginario o prometido se quedan en medio de la calavera y los colores, lo cual representa las personas que se quedan sin un lugar y se quedan en medio del espacio.
Delante de la calavera esta una escalera con personas enfiladas, la cual representa el mundo que para mi es como si todos estamos formados y tenemos ya nuestro lugar momento y hora en que pasaremos por ese transe y la fila avanza y avanza y cada momento una persona entra al ojo de la calavera que es la muerte y pasa ese transe de la vida y la muerte.

Joan Mirò: El extraordinario artista catalán Joan Miró es uno de los grandes pintores del siglo XX, destacándose por la originalidad de sus trabajos. Las obras de Miró son mundialmente reconocidas y se encuentran en varios museos, dentro de los cuales está la Fundación Miró en Barcelona.
Autor: Joan Miró (1893 – 1983) Estilo: Surrealismo Cronología: 1928

Descripción y análisis de la obra:
PUNTOFOCAL: En esta obra el punto foca lo podemos encontrar en la guitarra ya que a simple vista lo primero que notamos es la guitarra debido al color y el tamaño.

COLOR: Esta obra contiene gran variedad de colores. la gama de colores que utiliza son primarios -rojo, amarillo y azul- también utiliza el contraste entre claro y obscuro.
La composición es básicamente espontanea y recurre al equilibrio tectónico entre lineas y manchas de color.
También usa una gama de colores tierra que nos llega a proyectar una forma natural por los colores café tierra y verde Árbol.

LINEA:
Contiene líneas que actúan como elementos diversos de objetos, la líneas tratan de crear diversas formas que permiten expresar el sentimiento de Miró.
Contiene líneas con ritmo dinámico y una que otra estática eso le da un equilibrio entre movimiento y quietud.





FORMAS: orgánicas

ESPACIOS: Tiene Positivos que son todas los objetos que tiene un espacio en la obra y Negativos que se encuentran en los colores café y verde.

TEXTURA:
El circulo claro tiene textura como de piedra, el rectángulo que esta de lado derecho en color ocre tiene textura como de madera , el perro blanco con café tiene textura como de un hueso y la demás obra tiene textura lisa.

PRESPECTIVA:
No tiene perspectiva por que son dibujos planos que están en 2da dimensión.

PATRONES: Sus patrones no son repetitivos.

RITMO: Dinámico.

INTENSIDAD: Toda la gama de colores tiene la misma intensidad.

UNIDAD Y VARIEDAD: No tiene unidad y si tiene mucha variedad.

CONTRASTE: Tiene colores complementarios el verde y el rojo.


SIMETRIA: Asimétrico.


¿QUE ES ARTE?

ARTE:Es una disciplina, un medio para poder expresar el sentir del artista, es un talento, decimos que el talento o habilidad que se requiere para ejercerlo está siempre en un contexto literario, musical, visual o de puesta en escena. El arte involucra tanto a las personas que lo practican como a quienes lo observan; la experiencia que vivimos a través del mismo, puede ser del tipo intelectual, emocional, estético o bien una mezcla de todos ellos.El artista no simplemente debe tener el sentimiento siempre debe tener mucho conocimiento para poder expresar y saber el dialogo que le quiere dar a conocer a su espectador.Aunque nos resulte difícil creerlo, la definición de arte hace un contraste con la ciencia; se asegura que tanto el arte como la ciencia requieren de habilidad técnica; tanto los artistas como los científicos tratan siempre de impartir un orden a partiendo de sus diversas experiencias vividas. Ambos pretenden comprender el universo en el que habitan y se desarrollan, hacen una valoración de él y transmiten lo que interpretan a otros individuos; de todas formas no podemos establecer una paridad entre el arte y la ciencia, existe una diferencia esencial entre ambas: los artistas seleccionan las percepciones cualitativamente y luego las ordenan de manera que manifiesten su propia compresión cultural como personal, mientras que los científicos estudian las percepciones de los sentidos no de manera cualitativa sino cuantitativa y así es como descubren leyes que reflejen una verdad universal y única. Otra de las principales diferencias que separan al arte de la ciencia es la posibilidad de refutar; mientras que los científicos pueden invalidar leyes o teorías a través de investigaciones, las obras de arte poseen un valor permanente, aunque cambie el punto de vista del artista o el gusto del público.Con esto podemos concluir que el arte es la necesidad de expresar los sentimientos y la perspectiva de la vida de una artista el artista siempre nos quiere proyectar en su arte la percepción de la vida según su punto de vista esto también lo hacen para trascender y para ser reconocidos ,en mi punto de vista tanto el artista como el espectador forman parte del arte ,el artista por crearlo y exponerlo y espectador por analizarlo y darle el significado que el quiere y busca , el arte no es nada mas que la liberación del alma y los sentidos.El artista no simplemente debe tener el sentimiento siempre debe tener mucho conocimiento par poder expresar y saber el dialogo que le quiere dar a conocer a su espectador.

AUTOR

PAULETTE SARABIA MIRANDA

ANALISIS DE UNA PINTURA

-CAFE TERRACE AT NIGHT-

(Terraza de un café por la noche)´

AUTOR: VINCENT VAN GOGH

September 1888.

EL PUNTO FOCAL

EN LA IMAGEN NOTAMOS QUE EL PUNTO FOCAL SE DIRIGE HACIA LAS MESAS, ESTE ES EL ELEMENTO PRINCIPAL QUE HACE LLAMAR LA ATENCION DE LA PINTURA.

COLOR

SE MANEJAN UN GAMMA DE COLORES RESALTANDO LOS CALIDOS COMO EL AMARILLO, YUNA MEZCLA CON EL NARANJA MUY LIGERO Y POR OTRA PARTE A LA VEZ FRIOS COMO LA MEZCLA DE AZULES Y VERDES EN DIFERENTE INTENSIDAD.

ESPACIO

SE REPRESENTA UN ESPACIO

O SOCIAL, YA QUE HACE ENFASIS A UN RESTAURANT CAFE.

ES UN ESPACIO INDIRECTO EL CUAL HAY NIVELES DE PISOS Y DIFERESNTES FORMAS QUE NOS LLEVAN AUN MOMENTO HISTORICO EN EL QUE ESTAN VIVIENDO. MEIDNTE UN CRITERIO.

FORMAS

ESTA IMAGEN ES FIGURATIVA YA QUE ES PURA, ESTA BASADA EN FORMAS GEOMETRICAS BASICAS COMO EL CUADRDO, EL RECTANGULO, CIRCULOS, CON UNA FORMA NO MUY DEFINIDA, Y FORMAS ABIERTAS LAS CUALES EXPRESAN MAYOR LIBERTAD EN CUANTO AL ARTISTA, TENIENDO UN MANEJO DE FORMAS FIGURATIVAS.

LINEA

MANEJA LINEAS CURVAS PRINCIPALMENTE LA CUAL MANIFIESTA INESTABILIDAD, Y DEFINEN ESPACION ENTRE UNO Y OTRO, LAS CUALES REPRESENTAN LOS OBJETOS QUE SE VEN EN LA PINTURA COMO LAS MESAS Y LA ESTRUCTURA DE LOS LUGARES.

TEXTURAS

PLANTEA PRINCIPALMENTE TEXTURAS VISUALES, Y OTRAS COMO LAS EXPRESIVAS Y SIGNIFICATIVAS QUE TRASMITEN REACCIONES DISTINTAS POR MEDIO DE UNA MEZCLA INUSUAL DE LOS COLORES, LA CUAL REFLEJA UNA IMAGEN BASADA EN LO REAL.

QUE ES EL ARTE?

EL ARTE ES UN LENGUAJE ARTISTICO POR LO CUAL SE CREO POR UNA NECESIDAD DEL SER HUMANO PARA COMUNICARSE POR MEDIO DEL CUAL LA GENTE EXPRESA SUS PROPIAS IDEAS MEDIANTE UN PROCESO DE CREATIVIDAD PERSONAL, ESTA LIGADA PRINCIPALMENTE A NUESTRA CULTURA, NUESTRA FORMA DE PENSAR Y DE VER NUESTRO ENTORNO,POR MEDIO DE EMOCIONES, SENTIMIENTOS, FRUSTRACIONES, MANIFIESTOS, ETC.. ATRAVES DE UNA VISION COMPLETAMENTE PERSONAL DEL MUNDO QUE NOS RODEA Y SOBRE TODO DEL MOMENTO EN EL QUE ESTAMOS PASANDO (EPOCA), DEPENDE ESE PENSAMIENTO. SE HA PLASMANDO DE DIFERENTES MANERAS Y TECNICAS, PARA LLEGAR HACER UNA LLAMADA OBRA DE ARTE.
SE LE DA EL NOMBRE DE ARTE CUANDO LA OBRA POSEE UN VALOR PERMANENTE.
LLEGAMOS A LA CONCLUSION DE QUE EL ARTE NOS ES MEJOR QUE EL DE AYER , SI NO QUE ES SIMPLEMEMENTE DISTINTO, POR QUE NOSOTROS SOMOS DISTINTOS YA QUE LO VAMOS EVOLUCIONANDO CONFORME VA PASANDO EL TIEMPO.
"EL ARTE ES UNA FORMA DE VER LA VIDA"

Claude Monet.

Punto focal: La imagen contiene dos puntosfocales, el primero es representado por la mujer y el segundo por el paragûas. Estos provocan que nuestra vision tenga un punto de referencia inicial.

Color: Usa colores frios desde un azul intenso hasta un azul grisaseo y un poco de blanco y verde.

Linea: Contiene lineas dinamicas en formas curvas que representan el vestido y una linea en forma recta que describe el mango de la sombrilla.

Formas: Representa formas organicas por su concepto humano.

Espacio: Manifiesta un espacio abierto ya que la imagen esta representada en un hambito natural.

Textura: Maneja texturas de plantas y telas.

Perspectiva: Contiene una perspectiva ojo de hormiga ya que el enfoque de la mujer es de abajo hacia ariba y tambien contiene una perspectiva del color en la zona azul que nos hace pensar que tiene una profubdidad.

Ritmo: Se expresa un ritmo con relacion al movimiento de la mujer y el niño.

Escala y Proporcion: Se observa una proporcion adecuada en relacion al niño y la mujer.

Simetria Y Asimetria: Es una imagen asimetrica ya que no contiene las mismas proporciones al aplicarle algun punto de referencia.

Autor:

Omar Pablo Hernandez Perez

El Cristo de San Juan de la Cruz (1951)



El Cristo de San Juan de la Cruz es una de las obras más conocidas y representativas de Dalí. La pintura muestra a Jesús crucificado, tomado en perspectiva y visto desde arriba, cuya cabeza, mirando hacia abajo, es el punto central de la obra. La parte inferior del cuadro es un paisaje apacible, formado por la bahía de Port Lligat. Abajo a la derecha, dos pescadores se afanan en el pequeño puerto. Ambos son en realidad pintores famosos retratados por Dalí. Entre el crucificado y la bahía se interponen unas nubes de tonos místicos y misteriosos, iluminadas por el resplandor que emana de la cruz y de Cristo. La obra simboliza al Cristo Redentor. El fuerte claroscuro sirve para resaltar la figura de Jesús y provocar un efecto dramático.

Cristo es representado de forma humana y sencilla. Tiene el pelo corto, muy distinto a las representaciones clásicas de Jesús con el pelo largo, y tiene una posición relajada. El letrero en la parte superior de la cruz donde se dice que se colocaron las iniciales INRI, está representado con una hoja de papel pequeña y doblada.

Dalí utilizó un trapecista profesional como modelo para pintar a Cristo. Cabe señalar que Cristo no está herido ni está clavado a la cruz; no hay llagas ni heridas ni mucho menos sangre. Parece que flota junto a la cruz.

Esta es posiblemente, la obra más humana y humilde que se ha pintado sobre la Crucifixión de Cristo.
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PUNTO FOCAL:
Tiene dos punto en la parte inferior donde se encuentra el paisaje se muestra una luz despues sigue el punto donde esta la cabeza agachada del cristo.
COLOR:
tonos místicos y misteriosos y utiliza un claroscuro para dar ese misticismo en la obra
los colores calidos
LINEAS:
Utiliza lineas, en la parte del paisaje, linea vertical donde esta crucificado

FORMAS:
Formas orgànicas
Cuadrados, rectangulos

ESPACIO
LA OBRA ESTA REPRESENTADA EN UN VALLE CON EL CRISTO EN LA CRUZ VIENDO HACIA ABAJO
TEXTURA:
LA TEXTURA EN LA PIEL Y EN EL PAISAJE TIENE LA SENSACIÒN REAL EN LA OBRA

PERSPECTIVA:
Es tomado en perspectiva y visto desde arriba, cuya cabeza, mirando hacia abajo, es el punto central de la obra.

RITMO:
La obra tiene dos pendientes una abajo en el paisaje y el otro en la parte superior del cristo
nos da la sensaciòn de que este viendo hacia abajo pero all mismo tiempo el punto de fuga hace que la vista una las dos partes.
DINAMICA:
Es estatico por lo que representa la obra

INTENSIDAD:

UNIDAD Y VARIEDAD:

CONTRASTE:
Usa claroscuros para dar misterio en la obra

ESCALA Y PROPORCIONES:
Tiene escala porque al estar viendo hacia abajo tiene la sensaciòn de ser mas grande que el paisaje

SIMETRIA:
Tiene simetria el cristo esta a la mitad del cuadro junto con la cruz tiene simetria hasta en el paisaje


autor
gandhi omar tlatelpa cortez

¿QUE ES ARTE?


Arte es la aplicación de la habilidad y del gusto a la producción de una obra según principios estéticos. El concepto de Arte va asociado al concepto de Obra de arte, que no es otra cosa que el producto o mensaje considerado primáriamente en función de su forma o estructura sensible (estética).

El Arte es el acto o la facultad mediante la cual el hombre imita o expresa y crea copiando o fantaseando, aquello que es material o inmaterial, haciendo uso de la materia, la imagen, el sonido, la expresión corporal, etc., o, simplemente, incitando la imaginación de los demás.

Un arte es una expresión de la actividad humana mediante la cual se manifiesta una visión personal sobre lo real o imaginado.

El término arte procede del latín ars. En la Antiguedad se consideró el arte como la pericia y habilidad en la producción de algo. Es hasta finales del siglo XV, durante el Renacimiento italiano, cuando por primera vez se hace la distinción entre el artesano y el artista (artesanía y bellas artes) y, equivalentemente, entre artesano (productor de obras múltiples), y artista (productor de obras únicas). Es también en este período cuando se crea un lenguaje articulado para referirse al exterior y no a la representación formal, quedando clasificadas las artes liberales (las actuales bellas artes) en tres oficios: escultores, pintores y arquitectos.

A finales del siglo XVIII, y sobre todo, a mediados del XIX (primera industrialización), es cuando aparece una verdadera oposición entre el producto artístico (trabajo global con carácter exclusivo) y el industrial (trabajo parcelado y producido en serie). En este período se dio un notable incremento de las colecciones privadas, se crearon las primeras academias de arte (sin acceso para las mujeres hasta principios del siglo XX,[1]), surgió la idea de patrimonio, con la aparición de los primeros museos, y de los ‘especialistas’ como críticos, galeristas y coleccionistas. Es a partir de 1920 cuando por primera vez se hace distinción entre las “bellas artes” y las “artes nobles”.

"El arte es el puente que une: los sentimientos del hombre, con lo real y con lo imaginario.
El arte te volar e imaginar por la historia para sentir lo que artistas plasmaban en sus obras y asi poder entedender lo que fueron, sus sentimientos y pasiones".

autor:
gandhi omar tlatelpa cortez

¿Que es el arte?

Segun la definicion que encontramos en el diccionario de arte, se refiere a la actividad que requiere de un aprendizaje y a su vez puede limitarse a una habilidad técnica; como al mismo tiempo ampliarse hasta el punto de incluir una visión particular del mundo.

El arte involucra tanto a las personas que lo publican como a las que lo observan.

Si buscamos una definición de arte de índole más “pura”, decimos que es un medio por el cual un individuo expresa sentimientos, pensamientos e ideas; es así como vemos a este conjunto plasmado en pinturas, esculturas, letras de canciones, película y libros. Las bellas artes centran su interés en la estética, nos referimos a la pintura, danza, música, escultura y arquitectura; las artes decorativas suelen ser utilitarias, es decir “útiles” específicamente.

el arte puede tener diferentes puntos de vista en cada persona, la visualizacion varia dependiendo el gusto y sensacion que provoque en cada ser.

Autor:

Omar Pablo Hernandez Perez.

Presentacion

El concepto ART R-5000 fue creado apartir de la relacion arte-imaginacion debido a que el uso del resistol 5000 siempre ha estado ligado a la creacion artistica, por medio de usos fisicos y morales.
Ya que ha sido un gran medio para la inspiracion y la creacion de arte desde los niveles sociales-urbanos