Me encantan sus obras ya que aunque maneja proporciones enormes o muy pequeñas llega a un nivel de realismo muy bueno ya que si te crees que sea real
Esther Ferrer
Considerada como una de las mejores artistas españolas de su generación. En 1966, Esther se unió al grupo musical performance Zaj, conocido por sus actuaciones conceptuales y radicales. La producción de Esther Ferrer incluye objetos, fotografías y sistemas basados en series de números primos. También es conocida por su trabajo como artista performance. Sylvie Ferré ha dicho de ella que: "El trabajo de Esther Ferrer se caracteriza por un minimalismo muy particular que integra rigor, humor, diversión y absurdo".
Ron Mueck nos habla de su desafío al utilizar en esta época las técnicas tradiciones de diseño y construcción, en contraposición al diseño por ordenador. Lo cual resulta curioso, porque ha sido precisamente internet –la tecnología- quien primero se ha ocupado de mostrar la obra del escultor.
¿Cómo modela sus esculturas Ron Mueck?.
Sarah Tanguy: ¿Cómo y cuándo surgió la idea de jugar con las escalas en tus figuras?
Ron Mueck: Nunca hice figuras de tamaño natural porque nunca me ha parecido interesante. Todos los días vemos gente a tamaño natural.
ST: ¿Alteras la escala para provocar un impacto emocional y psicológico?
RM: Más bien, hago las cosas para que no parezcan tan normales.
ST: Con Big Man, ¿sabías de antemano que ibas a trabajar en una escala gigantesca?
RM: Él no comenzó siendo grande, sino surgió de otra pieza que yo había esculpido, una pequeña figura de un hombre envuelto en mantas, para la que no utilicé ninguna referencia, ni tampoco ningún modelo, sino que salió totalmente de mi imaginación.
En esa época yo trabajaba como artista residente en la National Gallery y ellos tenían una clase de dibujo. Yo trabajé allí y di mis primeras clases, y lo disfruté mucho. Cuando volví a mi estudio y vi la pequeña figura del hombre envuelto en mantas, pensé, “¿Cómo sería si hiciera lo mismo, pero trabajando con la vida, dándole un aspecto más real?”. Yo nunca trabajo con modelos vivos. Yo utilizo fotografías o referencias que veo en los libros, tomo mis propias fotografías o miro en mi interior.
Sin embargo, yo intenté encontrar un modelo real, parecido a aquel pequeño individuo envuelto en mantas. Localicé a uno que era físicamente similar, y trabajé en mi estudio con él durante tres horas, hasta que me di cuenta que él no me iba a ayudar a salir adelante con mi proyecto.
Sus miembros no eran lo bastante flexibles. Su vientre tenía su propia forma. Aquel hombre no podía adoptar la postura de mi pequeña escultura. Por otro lado, yo tampoco me sentía bien teniendo un modelo en mi estudio. Me di cuenta de que me intimidaba tener allí a alguien con el que tenía que relacionarme.
Tenía allí a un hombre desnudo y completamente afeitado. Él no tenía ni medio pelo en el cuerpo. Todo eso me impedía estar a gusto. Pensé, “bien, ¿qué hago yo aquí con un hombre desnudo?”.
Así que le pedí que se sentara en una esquina mientras yo pensaba todo esto. Él entonces me sugirió algunas poses y tomó alguna de esas posturas ridículas que suelen realizar los modelos. Eran falsas y artificiales, y me di cuenta de que todo aquello no me servía para nada.
Yo trataba de reunir todo mi valor para decirle que se marchara. Lo miré, allí sentado en la esquina, tratando de decidirme. Él no estaba tan enfadado como lo parece estar Big Man, pero tenía esa misma posición. Y pensé en ese momento, “¡Qué buena idea!”, y así nació la pose de Big Man.
Primero hice un boceto en arcilla de él en esa posición, aproximadamente de un pie de alto. En ese momento pensaba que ese podría ser el tamaño final de la escultura.
Tomé algunas fotografías de lo que hacía, como hago a menudo, porque considero que si fotografío mi trabajo, puedo verlo de una manera diferente. Es como cuando te miras en un espejo, y te das cuenta de todas las imperfecciones y asimetrías, que no puedes ver de otra manera, porque las has mirado durante demasiado tiempo.
Luego, mientras miraba esas fotografías, y en una de ellas, dibujé una pequeña figura que parecía mirar el boceto de arcilla. Así, que a ojo de buen cubero, me di cuenta que la relación a escala entre el boceto de arcilla y la figura dibujada podía ser como de ocho pies. Con el dibujito al lado, a él se le veía muy grande. Y pensé, “bien, puedo intentar hacerlo a ese tamaño”.
Una vez decidida la escala, tomé mas fotografías. Tomé una de perfil, de la que saqué, dibujándolas, las líneas del contorno y todo eso lo llevé a papel. Después dibujé todo en papel marrón a tamaño de siete u ocho pies. Y una vez lo terminé, decidí que lo haría así.
A partir de ese enorme boceto monté la armadura con alambre y lo cubrí todo con yeso.
ST: ¿Es el yeso el que le da esa tonalidad amarillenta?
RM: Yo utilizo un yeso dental más duro que ‘el yeso de París’, que tiene esa pigmentación amarilla, aunque luego lo pinto todo.
Es interesante notar que las composiciones de arte sonoro se diferencian de lo que se entiende por música en el sentido tradicional, debido a la variedad, libertad formal y conceptual en el uso y aplicación de técnicas de edición de sonido como collage, repetición, manipulación espacial, generación electrónica, y procesamiento de señales sonoras entre otras.
Las primeras experimentaciones pertenecen al dadaísmo, al surrealismo, al movimiento de arte Fluxus, y varias otras manifestaciones y artistas contemporáneos que se inspiraron en sus principios como John Cage, Karl Stockhausen, Iannis Xenakis, León Theremin y Pierre Schaeffer.
Las formas en que el arte se vincula con lo sonoro, han sido múltiples desde comienzos del siglo XX: Art of Noise (Luigi Russolo); Radio Art (Bertold Brecht); Estetización y Yuxtaposición (John Cage); Música Concreta (Pierre Schaeffer) o Abstracción del sonido fuera de los significados connotados y la creación de objetos sonoros (que anticipa con sus técnicas de Cut and Paste los métodos de los actuales DJ); música de amoblamento (Nam June Paik, Eric Satie, Fluxus); Instalación Sonora y Música Ambiente (John Cage, Nam June Paik, Eric Satie, Brian Eno); Síntesis y Música Dodecafónica (Leon Theremin); Serialismo (Karl Stockhausen); Score Síntesis (Iannis Xenakis); Poema Electrónico (Edgar Varese); Música Electroacústica (Autechre, Granular Síntesis); Música Generativa (John Cage, Matthew Rogalsky, Anne Wellmer, Jem Finer); Temporalización y Performance (Max Neuhaus, Gordon Monahan); Media Narration (Paul de Marinis); Destemporalización (Alvin Lucier); Virtualización (Bernhard Leitner) o Arte Sonoro para Instalaciones y Performances Virtuales.
Erik Satie nos ha regalado piezas musicales que nos llevan a descubrir nuevos sentimientos mediante su composición, la cual esta llena de armonía y con un tono suave y elegante que provoca un relajamiento profundo.
Entre sus obras más destacadas podemos situar a la serie de 4 partes de gnossienne, un conjunto de piezas que seduce y se compenetra mediante la composición y la correcta integración de de Tono, Melodia, Tiempo y espacio.
El hiperrealismo surgió a finales de la década de 1960 en Estados Unidos y ha sido frecuentemente definido como realismo fotográfico, superrealismo e hiperrealismo. Los temas principales de los pintores hiperrealistas o fotorrealistas fueron paisajes urbanos, escaparates, automóviles, motocicletas y demás objetos de consumo. Algunos de los artistas más memorables de este movimiento fueron John Salt, Robert Bechtle, Ralph Goings, Malcolm Morley, Don Eddy y Ron Mueck, este último destaca por realizar esculturas que reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos expresen cierta confusión.
Cada una de las esculturas de este artista nos cuenta una historia, nos trasmite un sentimiento diferente. Con su obra, Mueck intenta abordar la realidad, no solamente en las figuras que proyecta, sino en los sentimientos que éstas transmiten. Muchas de ellas, al tratarse de una sola figura humana, nos hablan de individualismo y de soledad.
“Me he quedado sorprendido cuando al ver una” fotografía” alguien me desmiente casi reclamando que lo que miro no es una foto sino una pintura…”
Algo que parece tan natural , tan realista te regala una nueva percepción, ver un bebé tan perfecto pero de un tamaño sobrenatural es darse cuenta de que tan pequeño es el hombre y que tan grande es nuestra capacidad de crear cosas magnificas.
La obra de Mueck no refleja mas que simples retratos de lo hermoso, insignificante y grande que es el ser humano.
Con un arte mas libre, con nuevas tecnologías, y con mentes sedientas de expresión el arte se dispara hacia un sin fin de posibilidades, el arte sonoro es uno de ellos, sonido que no es música, ni radio, ni ruido pero si idea, sentimiento, estética y todas esas características del arte .
Sampleo, Ambientes, Palabras, Reversas, Quejas, Música, Objetos, Esculturas, Todos produciendo sonido, el habla del sentimiento, del concepto.
Ahora con las nuevas tecnologías dentro de la multimedia, se podría decir que el arte es infinito
Felipe Ehrenberg ( Oriundo de Tlacopac, Ciudad de México, 1943 ). Reconocido artista mexicano cuya trayectoria, de más de cincuenta años. Su polifacética personalidad hace difícil una clasificación clásica de su trabajo artístico tanto que desde los años setenta el mismo artista se define como neólogo; palabra que subraya este aspecto de experimentación y renovación característico en su trabajo.
La exposición, "Signos y señales" . Partitura visual de Felipe Ehrenberg" es una serie de objetos divididos en símbolo, espejo y reflejo. "Son señas que lanza el humano. Los espejos representan la velocidad de la luz", una partitura visual.
El neólogo Felipe Ehrenberg ha utilizado “la desobediencia como una forma de trabajo”, proponiendo la creación de obras in situ, individuales y colectivas, para sus exhibiciones en distintos museos y galerías de México y el extranjero. Cuestiono los paradigmas estéticos que nos dominan, que privilegian la obra de arte única y singular como consecuencia de una visión particular e individual.
Los neólogos de hoy, concluye Ehrenberg, “no proponemos una alternativa que elimine los conocimientos que nos legó el pasado. En realidad, ofrecemos otras opciones imaginativas para enriquecer el tesoro cultural que es el arte en México. Es precisamente en la confrontación entre la tradición y la innovación –¡que no hay que confundir con provocación!– donde se renuevan todas nuestras artes. La meta es cotejar ideas inéditas con ideas arraigadas, nunca reiterar esquemas caducos.”
